Monthly Archives: Februar 2020
Bystander ist eine interaktive Multimediainstallation der jungen Künstlerin Liu Chang, die thematisch traumatisierende Missbrauchserfahrungen ihrer Kindheit und eine daraus resultierende posttraumatische Belastungsstörung zur Grundlage hat.
Kern der symmetrisch angeordneten Installation ist ein interaktives Videogame am Ende des Installationsraumes, zu dem die Besucherin durch hintereinander hängende Gazeschichten gelangt. Leicht geblendet wird die BesucherIn von den, darauf vervielfältigt erscheinenden, Gegenlichtprojektionen aller Erinnerungsfragmente, die begleitet von einer weiblichen Stimme, die BesucherIn auffordert, in die tiefste verborgene Ebene des traumatischen Erlebnisses hineinzugehen und einer jüngeren Stimme, die dem folgt. Hier ist der Ausgangspunkt des interaktiven Videospiels. Sie steuert, die von hinten zu sehende, mädchenartige Identifikationsfigur (First Person Shooter Perspektive) durch eine Synapsen ähnlich verwobene Struktur einer virtuellen Landschaft. Diese löst sich immer wieder in Einzelteile auf und die BesucherIn muss herausfinden, wie sie Inhalte freilegt und zu neuen Erzählebenen, also Spiel-Leveln gelangt.
Tag und Nacht, Vergangenheit und Gegenwart, oben und unten, real und virtuell, alles fließt ineinander und erscheint vierdimensional. Überall verstreutes fragmentarisches Gewimmel, aus den von der Künstlerin in Hong-Kong aufgenommenen 3D-Welten und abstrakte Elemente werden von lauten Soundkulissen begleitet. Das Einnehmen der Position des personalen und gleichzeitig allwissenden Beobachters lässt die BetrachterIn in eine ähnliche Dissoziation, wie sie die Künstlerin am Eigenen Leib erlebte, eintauchen. Eine fluktuierende Auflösung des Visuellen verstärkt zusätzlich die Wahrnehmung der urbanen Geräusche, die durch den zeitweisen Verlust der Orientierung zur Bedrohung für den natürlichen Instinkt werden.
Das narrative Design wird von der Künstlerin virtuos benutzt und ermöglicht, innere und äußere Wahrnehmung fließend und gleichzeitig anzubieten. Das geschieht in einer einprägenden und dem Thema angemessenen neuwertigen Ästhetik. Reale filmische Elemente sind als Schlüsselszenen erzählerisch und visuell homogen in das Spiel eingewoben. In einer Solchen betritt die BetrachterIn den „secret garden“ zusammen mit der Protagonistin. Dort treffen Beide eine weibliche Überfigur, in dessen Armen die Spieldramaturgie den heimlichen Höhepunkt findet, nämliche die Auflösung der Auflösung, also die Heilung.
Auch wenn es pathetisch klingt, so merkt die Autorin an, dass sie diesen Pathos nicht unangenehm oder übertrieben empfindet. Der Umgang mit dem Thema und die lückenhafte und zeitgleich dichte Formensprache vermitteln Ehrlichkeit. Diese Aufrichtigkeit wirkt sowohl bestimmend, als auch sanft und verspielt. Latente Wut und Hilflosigkeit transportieren sich sowohl beim Bedienen des Games an und für sich, als auch in den wenigen eingewobenen realen filmischen Szenenbruchstücken. Besonders hervorzuheben ist zum Beispiel eine Szene von essenden Männern, deren Handeln, ein schmatzendes in sich Hineinstopfen durch eindringliche Nahaufnahmen vermittelt wird. Die BetrachterIn ist unmittelbar involviert und visuell eingebunden. Diese laut grunzende Selbstzufriedenheit vermittelt die Urform männlicher Ignoranz, eine nahezu selbstverliebte Dummheit, die keinen Raum für Reflexion oder Empathie lässt. Der Mann, der alles in sich stopft. Er schaut nicht rechts oder links, frisst und verleibt sich alles ein. Die Metapher sitzt.
Die Arbeit der jungen Künstlerin befasst sich mit dem Weiblichen, dem Reflektieren und Verarbeiten persönlicher Erlebnisse. Die Künstlerin referenziert sich selbst.
Die Jury des 33igsten Stuttgarter Filmwinters des Wettbewerbs der Kategorie „Network Culture“ fühlt sich durch diese Arbeit daran erinnert, dass die Bedeutung der Muse in der Kunstgeschichte eine Verschiebung erfährt. Frauen sind nicht länger Vorlagen des männlichen Blicks. Die junge Künstlerin erschafft einen virtuellen Körper und übernimmt die Kontrolle über alle Abbilder und deren Dekonstruktion.
Also fitting the festival theme very well is the work we have chosen in the Network Culture category. By playing „Bystander“, we become complicit in the experiences of the protagonist and join her on her journey of recovery from trauma. In this way, the protagonist open-sources her healing, and finds a way to talk about very personal experiences and repressed memories by moving the focus from herself to the artwork. The closer we come to the truth, the fuzzier the content – the images start to literally fragment and dissolve. Past and present collide and interact in this virtual world. The technology becomes a device to virtualise her journey and invite others to become involved. The work reminds us that the relevance of the muse in art history has shifted. Women are no longer models for male gaze. The young female artist creates a virtual body and takes control over all images and their deconstruction.“ Begründung der Jury
Der Künstlerin ist die Aktualität, der von ihr angesprochenen Thematik nicht die wichtigste Motivation, wie sie in einem Interview mit der Autorin berichtet. Auch kümmert sich die Absolventin des Medienkünstlers IP Yuk-Yiu nicht um einen vermeintlichen Kodex in der zeitgenössischen Kunst, Kunsttherapie und Kunst voneinander fernzuhalten, im Gegenteil: unter Zuhilfenahme eines noch intensiveren Studiums der Psychologie und dem Ausbau ihrer Fertigkeiten im Umgang mit erzählerischen Gestaltungsmöglichkeiten und deren Neuprogrammierung möchte sich die angehende Doktorandin vertiefend dem Thema der PTBS widmen.
Am Vergleich nicht interessiert, lässt sie sich am Anfang ihres professionellen Weges als Künstlerin nicht von scheinbar genialen, bestehenden und vorhergehenden Ideen blockieren. Sie benutzt ihre Werkzeuge, um Verbindungen zu schaffen, die entscheidende Voraussetzung für Verstehen und einen Bewusstseinswandel. Kunst und Forschung finden eine Verbindung in der Person der Künstlerin Liu Chang.
Beitrag von Lili Weiss
Lili Weiss wurde in Arad/Rumänien geboren und diplomierte an der Bauhaus-Universität in Weimar als Multimediakünstlerin. In Genf absolvierte sie den Master in Kunst im öffentlichen Raum, einem Genre, das ihre Spielräume in Bereiche ausserhalb des musealen Kunstkontextes erweiterte. Sie inszeniert Räume, indem sie sich der ganzen Bandbreite aller bekannten verfügbaren Medien in einer poetischen Bildsprache bedient und erschafft Situationen zur Bewusstmachung der Wahrnehmung. Mit ihren aktuellen Kunstfiguren bringt sie Kompositionen in Musikperformances auf die Bühne. Seit 2011 lebt und arbeitet sie in Stuttgart.
Zum Filmwinter: „Seit über 30 Jahren widmet sich das Festival den Grenzübergängen von Kino und Medienkunst mit einem experimentierfreudigen internationalen Programm aus Filmen, Workshops, der Expanded Media Ausstellung und Performances. Kern des Festivals sind die internationalen Wettbewerbe für Kurzfilm, Medien im Raum und Network Culture flankiert von einem generationsübergreifenden umfangreichen Programm. Jedes Jahr steht der Stuttgarter Filmwinter unter einem bestimmten Motto. Dieses findet sich in der Gestaltung, Rahmenprogramm und der gesamten Aura des Festivals wieder. Bei der Festivaledition im Januar 2020 erforscht der Stuttgarter Filmwinter das Thema Abwesenheit.“
Schlemmer Beats. Kraftvolle Beats empfangen mich in der Staatsgalerie Stuttgart. Das von James Frazer Stirling erbaute Haus, 1984 eingeweiht und heute einer der wichtigsten Bauten der Postmoderne in Deutschland, bebte am vergangenen Freitagabend (14.2.2020). Am Valentinstag hieß es „Schlemmer Beats“. Zu diesem Event hatten Staatsgalerie und Hochschule der Medien Stuttgart (HdM) eingeladen. Eine Veranstaltung, die im Nachgang zu den 100-Jahr-Feiern des Bauhauses 2019 zu verstehen ist, die – und das ist das Besondere – das Bauhaus tatsächlich in unsere heutige Zeit transportierte und erfahrbar machte. Denn wenn im vergangenen Jahr das Jubiläum einer Institution begangen wurde, die gerade einmal 14 Jahre, nämlich von 1919 bis 1933, existiert hat, muss es, dieser Logik folgend, Dinge geben, die bis heute nachwirken. „Schlemmer Beats“ machte diesen Umstand dank der Interventionen der 12 Studierenden der Studioproduktion EventMedia an der Hochschule der Medien immersiv erlebbar und ließ die Bauhaus-Zeit, wo an der Reformhochschule das Experiment großgeschrieben, die Gemeinschaft gepflegt und Partys gefeiert wurden, für einen Moment aufleben.
Das Besondere an „Schlemmer beats“ ist vielleicht weniger, dass man in der Staatsgalerie zu heißen Rhythmen abrocken (wobei… der Musentempel wurde ja für einen Abend zur Party-Location!), sondern dass man Oskar Schlemmers „Triadisches Ballett“ quasi in Aktion erleben konnte. Das allerdings nicht über rekonstruierte Aufnahmen der Aufführungen des Balletts oder über Filme aus der Bauhaus-Zeit (wenngleich Schlemmers erster Film – und der einzige, bei dem er selbst unter dem Pseudonym Walter Schoppe in Aktion trat – als historische Referenz gezeigt wurde), sondern über drehbare Säulen, Animationen und Neuinterpretationen der Kostüm-Nachbauten.
Gleich im Eingangsbereich der Stirling-Halle empfangen mich drei bunte Stelen, deren oberer Teil jeweils in drei drehbare Würfelaufsätze unterteilt ist. Die erhabenen Ikons, die sich darauf befinden, deuten darauf hin, welche Formen ich an der Wand zu sehen bekomme: Ich kreiere meine eigene Figurine, indem ich die verschiedenen Möglichkeiten für Kopf, Arme/Rumpf und Beine, die Schlemmer für das insgesamt 18 Figurinen umfassende Original vorgesehen hatte, miteinander kombiniere. Die auf diese Weise mit modernster Technik entstandene Kunstfigur erhält einen Namen, der in irgendeiner Form mit dem Bauhaus in Verbindung steht, und per Knopfdruck wird sie auf die Wand im nächsten Raum übertragen. Dort steht sie zunächst groß im Rampenlicht, dann beginnt sie, mit den weiteren, von Besuchern gestalteten Figurinen zu interagieren – ich davor, imitiere unwillkürlich die merkwürdig abgehackten Bewegungen, die sich durch die unförmigen Kostüme unvermittelt einstellen, die aber auch durch die Musik inspiriert sein können.
Apropos Musik: Schon Oskar Schlemmer wollte zeitgenössische Klänge für die Uraufführung seines „Triadischen Balletts“. Arnold Schönberg sagte ab, deshalb fand die Uraufführung in Stuttgart 1922 zu Klängen von Enrico Bossi statt; später wurden die Tänze auch zu Musik von Debussy oder Hindemith aufgeführt. Das Bauhaus war Avantgarde, auch im Musikbereich – warum also diese Avantgarde nicht mit „Schlemmer Beats“ in die Musik unserer Tage übertragen? Das passt, und wie das passt! Die Electronic Beats, aufgelegt vom Waltraud Lichter Kollektiv, heizen ein, übertragen die abgehackten Bewegungen, die zwangsläufig durch die Volumina der Kostüme, durch die Sperrigkeit des Materials zustande kommen, in unsere heutige Zeit.
Es ist sicher kein Versehen, dass die Bewegungen, die die Figurinen vollführen können, an Roboter erinnern, wie ja überhaupt das Wort „Roboter“ 1920 im Drama „W.U.R.“ des tschechischen Schriftstellers Karel Čapek eingeführt wurde. Filme von Maschinenmenschen füllten die Kinos der 1920er Jahre – allen voran Fritz Lang, der über das DJ-Pult, wie mir scheint, ebenfalls eine kleine Hommage erhält: Die kühlen Glaskuben erinnern in ihrer Staffelung an Langs Film „Metropolis“. Es scheinen visuelle Anleihen an nächtlich illuminierte Hochhäuser zu sein, die zugleich einen Kontrast zu der knallbunten Farbigkeit der auf den Wänden tanzenden Figurinen bilden.
Und um das Event wieder in die analoge Welt zurückzuholen lässt die Stiftung Bauhaus Dessau mit den Workshops »Schlemmer Tanzen« und dem Fotostudio »Formengymnastik« unter der Leitung von Torsten Blume, Stiftung Bauhaus Dessau die Nachbauten der Figurinen in der Wirklichkeit lebendig werden. Es sind Kostüme, und als solche werden sie dann auch von den Teilnehmern des Workshops „Schlemmer Tanzen“ in Aktion vorgeführt. Sie machen Lust darauf, die Klänge aufzunehmen, das Alter Ego – selbst kreiert in Bauhaus-Manier – zu imitieren. „Wir sind die Roboter“ intonierte die Düsseldorfer Elektropop-Band Kraftwerk bereits 1978. Wie sich das anfühlen kann, war in der Staatsgalerie Stuttgart jetzt live zu erleben!
Das Förderprogramm „Digitale Wege ins Museum II“ des Ministeriums für Wissenschaft, Forschung und Kunst Baden-Württemberg erforscht digitale Strategien und Anwendungen zur Erweiterung musealer Erfahrungen. Der Fokus liegt dabei auf einer bedeutungsvollen Museumserfahrung, welche durch gameifizierte, mobile oder lokationbasierte Anwendungen von Mixed Reality (Virtual Reality, Augmented Reality) bis hin zur festen Medieninstallation vermittelt wird.
Beitrag von Prof. Dr. Chris Gerbing
Prof. Dr. Chris Gerbing, Honorarprofessorin für Kulturwissenschaft am Karlsruher Institut für Technologie (KIT) ist freiberuflich tätig als Kuratorin, Autorin, Redakteurin, Lektorin und Dozentin – kurzum: sie ist mit allem, was mit Kunstgeschichte im engeren und weiteren Sinn zu tun hat, beschäftigt, wobei ihre Schwerpunkte u.a. auf Kunst und Architektur des 20./21. Jahrhunderts liegen und sie vor allem die Randbereiche ihrer Disziplin interessieren.
Die Teilnehmer der Studioproduktion EventMedia: Studierende: Niels Keller, Andrea Guerrero, David Waldow, Daniel Zinser, Ria Goller, Shari Mölges, Svetoslav Mitsev, Julia Koken, Franca Bittner, Sophia Schimpgen, Torben Rumpf und Corbinian Pfeiffer. Betreuung: Professorin Ursula Drees, Nadja Weber und Steffen Mühlhöfer.
Beteiligt waren über ein Semester lang drei Fakultäten mit vier Studiengängen: Fakultät Electronic Media mit den Studiengängen Audiovisuelle Medien und Medienwirtschaft, Fakultät Computer Science and Media und die Fakultät Information und Kommunikation mit dem Studiengang Informationsdesign.
weitere Links: Schlemmer Beats am 14.2. in der Staatsgalerie Stuttgart
SCHLEMMER X BEATS“: VIRTUELLE WELT DES TANZES
Schlemmer Beats: Neues Weekend Warm-up in der Staatsgalerie
Elektro ist angesagt, wenn wir Schlemmers Figurinen tanzen lassen. Zum ersten Weekend Warm-up des Jahres 2020 ist die Hochschule der Medien (HdM) mit ihrem Projekt »Schlemmer Beats« zu Gast. Tauchen Sie ein in die virtuelle Welt des Tanzes, der Kostüme, der Farben und Formen. Es erwartet Sie ein multimediales Kunsterlebnis ganz im experimentellen Charakter von Oskar Schlemmers Triadischem Ballett. Die passenden Electronic Beats dazu gibt es von Waltraud Lichter, Drinks von GINSTR und Snacks liefert das Fresko. Neben Führungen zu Oskar Schlemmers Triadischem Ballett (die Sammlung ist bis 24 Uhr geöffnet, im Anschluss geht es in der Stirling-Halle weiter) erwarten Sie außerdem Specials wie das Fotostudio »Formengymnastik« und der Workshop »Schlemmer tanzen« mit Torsten Blume und dem Play Bauhaus-Team aus Dessau. Die Veranstaltung findet in Kooperation mit der Hochschule der Medien, LIFT Das Stuttgartmagazin und der Stiftung Bauhaus Dessau statt. Für Mitglieder der Jungen Freunde Staatsgalerie ist der Eintritt frei. Tickets im Vorverkauf gibt es hier: https://shop.staatsgalerie.de/index.p…
Auf der Generalprobe in der Hochschule der Medien entstanden schon einige Bilder. Wir danken James Palik für die professionellen Fotografien.
Oben links: Eindrücke des Clubs. Nur ist das ein Prototyp. In der Staatsgalerie werden die Räumlichkeiten grösser, dunkler und aufregender.
Oben rechts: Die Auswahlsäulen: erst werden die Module der jeweiligen Schlemmerischen Kostüme des Triadischen Balletts ausgesucht. Dafür dreht der/die BesucherIn die Säulenteile und sieht real time auf der Projektion, wie das Kostüm aussieht. Wenn der/die BesucherIn zufrieden ist, wird die Auswahl mit Klick auf den Button bestätigt und der Triadische Balletttänzer betritt den Club Schlemmer x Beats.
Unten: Triadische Ballett Tänzer im Virtuellen Club. Dort treffen sich der/die BesucherIn und es wird getanzt.
Beitrag von Prof. Ursula Drees
Der diesjährige Filmwinter, Festival für Expanded Media in Stuttgart behandelt das Thema „Abwesenheit“. „Die Festival-Edition bewegt sich an die Schnittstelle zwischen der hypermedialisierten Gesellschaft in all ihren Facetten und all den Dingen, die durch das Raster einer solchen Gesellschaft fallen oder verwischt werden: Das nicht Ausgesprochene, das nicht Aussprechbare, das nicht Darstellbare, das Verdrängte oder Verweigerte. Wir sehnen uns nach der Abwesenheit und ihren Spuren. Wie ein Teststreifen taucht unser Festival ein in das große Haus der Abwesenheit und stellt sie in den Makrofokus.“ (Zitat: Filmwinter) Es werden Preise für unterschiedliche Kategorien vergeben.
Katharina Kohl hat mit dem Werk „Erinnerungslücken“ (Video-Installation, 2–Kanal-Installation und Monitor, 2018) den 1. Preis in dem Bereich „Spaces“ gewonnen.
Wir gratulieren. Die Begründung der Jury lautet wie folgt:
- „Das Thema der Abwesenheit findet sich in dieser Arbeit. Abwesenheit von klaren Umständen. Abwesenheit von Gerechtigkeit, von Wahrheit, von Informationen, von Gewissheit und von Beweisen. Diese Abwesenheit ist schwarz und geschwärzt. Diese Darstellung offenbart die kraftvolle Macht und den Wunsch, sich nicht erinnern zu wollen. Die Verantwortlichen wollen für die Auswirkungen ihrer Handlungen nicht einstehen. Sie ziehen die Unwissenheit und das Vergessen dem Gewicht der eigenen Positionen vor. „
- „Der Gestaltungswille und Ausdruck der Arbeit ist auf das Notwendige reduziert. Alles wird auf den Punkt gebracht. Jedes ikonografische Element spiegelt scharfsichtig die Botschaft. Es gibt nicht das „Zuviel“ oder das „Zuwenig“. Dieses Werk, Teil eines viel grösseren, ist konzeptionell und gestalterisch durchdacht. Die Jury ist begeistert und absolut überzeugt, dass nicht nur das Thema des Festivals punktgenau reflektiert, sondern auch dass die inneliegende Botschaft mit grosser Eindringlichkeit und Genauigkeit getroffen wurde. “ (Jurymitglieder: Robert Seidel, Helen Varley Jamieson und Ursula Drees)
Die Autorin hatte die Gelegenheit, mit der Künstlerin vor Ort zu sprechen.
Frage 1. Was gab den Ausschlag für das Werk Erinnerungslücken?
Die Arbeit zu den „Erinnerungslücken“, in der analogen Handruck-Version „Gedächtnislücken“ genannt, begann 2017, nach 6 Jahren intensiver Auseinandersetzung mit dem NSU-Komplex im Rahmen meines Projektes „Personal-Befragung/Innere Sicherheit“. Ich habe sehr viele Akten gelesen und Untersuchungsausschüsse besucht. Die Formulierung „Das ist mir nicht erinnerlich“, die mir in diesem Zusammenhang so oft begegnete, war für mich befremdlich, vor allem weil sie in ihrer Passivform das Erinnern wie eine Kraft von außen erscheinen ließ. Ich begann daraufhin, systematisch die Zeugenbefragungen nach verschiedenen Formulierungen des Nicht-Erinnerns zu durchforsten. Dadurch kam ich dann auf die Form der Arbeit: Protokollseiten des Untersuchungsausschusses des Bundestages zu schwärzen und nur die Stellen sichtbar zu lassen an denen die Zeugen sich nicht erinnern. (Link: http://personal-befragung.de/erinnerungsluecken-druck)
2018, nachdem die „Personal-Befragung“ zum ersten Mal öffentlich gezeigt wurde, griff ich ein altes Motiv auf, das Motiv der Aktenordner, das ich zu Beginn meiner Arbeit zum NSU schon einmal in einem Video verarbeitet hatte. „Fallakte“, 2012
Da inzwischen so viel Zeit vergangen war, kam ich auf die Idee des sich „ewig“ drehenden Akten-Karussells und verband dies mit den Erinnerungslücken.
Frage 2: Wenn sie Menschen portraitieren, was sehen sie durch die genaue Betrachtung?
Ich beschäftige mich seit 1994 intensiv mit dem Thema Porträt, bzw. der Frage, was ich sehe, wenn ich einen Menschen sehe. Ausgelöst wurde diese Frage durch das Porträt von Innozenz X, 1650, Diego Velázquez. Über die Jahre hat sich für mich die Suche nach einer Art Haltung als zentrales Element herauskristallisiert. Unter Haltung verstehe ich dabei die Verortung und Orientierung eines Menschen in einem mentalen Raum, den ich als „Blickraum“ begreife. Die Präsenz eines Menschen greift in diesen Raum ein, verändert ihn. So kann es sein, dass ich mich in Gegenwart eines Menschen z.B. groß, klein, unbedeutend, oder, oder, oder… fühle.
Dieser Zustand entsteht durch die Art, wie sich jemand in den Raum einbringt und damit diesen „Blickraum“ erzeugt. Bei den „Personal-Befragungen“ habe ich diese Räume als berufliche Haltungen versucht zu erfassen. Deswegen habe ich in den meisten Fällen nach Videos gearbeitet, da dieses Phänomen nur durch die Bewegung des Porträtierten im physischen Raum und im Verhältnis zu anderen Anwesenden sichtbar wird. So gibt es z.B. einige der Porträtierten, die durch ihre Präsenz einen Raum erschaffen, der sofort ein Gefälle erzeugt. (August Henning, Wolfgang Geier, Klaus-Dieter Fritsche). Andere ordnen das Blickfeld so, dass immer nur sie selbst gespiegelt werden (Lutz Irrgang, Wilhelm Kanther) und so weiter.
Ich versuche also, kurz gesagt, die „Ordnung im Raum“ zu erfassen, die die Präsenz eines Menschen erzeugt.
Frage 3: Wie lange bewegt sie das Thema der NSU Fälle?
Das Thema NSU bearbeite ich seit Januar 2012, seit ich den ehemaligen Präsidenten des Landesamtes für Verfassungsschutz Thüringen, Helmut Roewer, in einer Fernsehaufzeichnung sah, sein Gesicht nicht „lesen“ konnte und mich dann entschloss ihn zu malen, um mehr über ihn zu erfahren.
Wir bedanken uns herzlich für die Zeit und die Geduld, die uns Katharina Kohl entgegen brachte. Vielen Dank.
„Seit über 30 Jahren widmet sich der Festival den Grenzübergängen von Kino und Medienkunst mit einem experimentierfreudigen internationalen Programm aus Filmen, Workshops, der Expanded Media Ausstellung und Performances. Kern des Festivals sind die internationalen Wettbewerbe für Kurzfilm, Medien im Raum und Network Culture flankiert von einem generationsübergreifenden umfangreichen Programm.
Jedes Jahr steht der Stuttgarter Filmwinter unter einem bestimmten Motto. Dieses findet sich in der Gestaltung, Rahmenprogramm und der gesamten Aura des Festivals wieder. Bei der Festivaledition im Januar 2020 erforscht der Stuttgarter Filmwinter das Thema Abwesenheit.“
Zum Filmwinter: Das Festival wird empfohlen. Es verfügt über eine sehr anziehende und erfrischende Kraft. Es wirkt belebend, die Werke, Ausstellungen und Performances an den jeweiligen Kunstorten zu sehen. Die Positionen, die Werke und Festivalleitung, Kuratoren und Mitarbeiter zeigen Format, sie entziehen sich dem kommerziellen Mainstream. Diese Position ist attraktiv und überraschend.
Beitrag von Prof. Ursula Drees