Yearly Archives: 2019
Im Kindl Museum Neukölln Berlin sind einige Exponate des Künstlers Bjørn Mehlhus zu sehen. Das Kindl Museum selbst gibt es noch nicht so lange. Seit 2016 werden in dem Gebäudekomplex der ehemaligen Kindl-Brauerei in Neukölln wichtige Positionen internationaler Gegenwartskunst gezeigt. Das Ausstellungsprogramm unter der künstlerischen Leitung von Andreas Fiedler umfasst mehrere große Ausstellungen pro Jahr und wird durch Veranstaltungen wie Künstlergespräche, Vorträge und Konzerte ergänzt. Bereits im ersten Jahr zählte der neue Kulturstandort über 30.000 Besucherinnen und Besucher. Hier auszustellen bedeutet in grosszügigen Hallen mit toller Beleuchtung wenn erforderlich sein Werk zu präsentieren.
In der Ausstellung Free Update zeigt der norwegische Künstler Bjørn Melhus Arbeiten aus den letzten Jahren. Melhus beschäftigt sich mit Filmen und Videoinstallationen mit Phänomenen der Medienwirklichkeit. In oft überzeichneten, zum Teil absurd-komischen Kurzfilmen hinterfragt er Motive und allgemeine Strategien der Massenmedien und reflektiert ihren Einfluss auf unsere heutige Gesellschaft. Grundlage seiner Arbeiten sind Audiofragmente aus verschiedenen Kanälen der vorwiegend westlichen Pop- und Kinokultur wie US-amerikanischen Filmen, TV-Sendungen oder YouTube-Videos. Ausgehend von diesen Tonsequenzen entwickelt der Künstler Erzählungen, in denen stereotype Figuren in eigenartige Kontexte versetzt werden. Dabei verkörpert Melhus die unterschiedlichsten und oft höchst bizarren Akteure seiner Filme selbst. Neben Arbeiten wie The Theory of Freedom (2015) und Can You See My Art? (2018) ist in der Ausstellung Bjørn Melhus’ neuester Film Sugar (2019) zu sehen.
Gleich zu Beginn wird „Can You See My Art“, ein Video präsentiert. Auf grellen, sich ständig ändernden Mustern steht eine Person. Sie bewegt sich hin und her, affektiert und übertrieben. So ist auch die Stimme, die Sprache ist nicht synchronisiert. Es wird immer wieder mantrahaft gefragt: „Can You See That? Can You See My Art“. Aufdringlich, kreischend, ohne Unterlass. Und dahinter wechseln die Muster. Mal Wellen, mal Streifen, was der Computer und die Effekte hergeben, immer in grellen Farben. Die Wahrnehmung wird herausgefordert.
Das Szenario ist anstrengend. Die Wiederholungen, Bewegungen und Muster…, alles ist anstrengend. Der Besucher steht vor der Projektion, betrachtet das Treiben, sinniert über die zeitversetzte Sprache, über die Bewegungen und die Aussage. Die Kunst wird gesehen, die Frage ist überflüssig, denn wir sind in einer Kunstausstellung.
Eine Selbstbeweihräucherung, eine Eitelkeit, eine Arroganz. Es spricht ungebrochenerer Narzissmus aus dem Video. Die Botschaft kommt an. Medial vernetzt, überall erreichbar, zu jeder Zeit und an jedem Ort lassen sich Menschen im virtuellen Raum vervielfältigen, legen ihr Dasein offen, beweihräuchern sich mit Selfies, zeigen Food Porn, ihre Katzen und Hunde, ihre Reisen, ihre Mode, alles. Meistens mit Instagram Filtern verschönert oder verunstaltet. Aber immer im Mittelpunkt und auf der Suche nach den 10 Seconds of Fame. Sie fragen sich, ob sie gesehen werden, kontrollieren die Menge der Kommentare, der Likes, der Hits. Ihre Wichtigkeit soll Resonanz aufweisen. Sie tun etwas, sei es noch so trivial, profan und verlangen Aufmerksamkeit. Sie wollen da sein.
Photo mit Handy direkt von der Projektion@udrees
Der Künstler steht vor der Kunst, bewegt sich hin und her, verlässt nie den Mittelpunkt des Bildausschnitts. Die Farbe der Kleidung wechselt und mit dem Kommentar: „It is super impressive. The colors change“ begleitet. Selbst wenn die hintergründigen Farben, zu einem irrelevanten Rauschen degenerieren, verblasst die Person im Vordergrund keineswegs. Die bleibt im Mittelpunkt. Und verbrät die vordergründige Botschaft. „Can You See My Art?
Beitrag von Prof. Ursula Drees
Die Hybrid Plattform ist eine gemeinsame Projektplattform der Universität der Künste Berlin und der Technischen Universität Berlin. Sie dient dem Disziplinen übergreifenden Austausch zwischen Künsten, Wissenschaft und Technik.
Am Donnerstag, der 12.12.2019 findet die letzte Veranstaltung des Jahres »Hybrid Futures. Kunst und Wissenschaft zwischen Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft« statt. Es treffen ausgewählte Künstler*innen und Wissenschaftler*innen aufeinander und sprechen über Ideen und Vision zur Zukunft.
Die Veranstaltung ist kostenfrei und findet am Donnerstag, den 12.12. um 20 Uhr im Futurium statt. Eine Voranmeldung ist nicht nötig.
Hier der Pressetext:
»Hybrid Futures. Spekulationen von Hito Steyerl, Mike Tyka und Jules LaPlace« Kunst und Wissenschaft zwischen Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft. 12. Dezember 2019, 20 Uhr, Futurium, Alexanderufer 2, 10117 Berlin.
Englisch mit deutscher Übersetzung.
Ein neues spannendes Format wird in Zukunft Teil der Berliner Kulturlandschaft sein.
Die Hybrid Plattform und das Futurium laden ein zu einer zukunftsweisenden Veranstaltungsreihe: den »Hybrid Futures«. Ausgewählte Künstler*innen und Wissenschaftler*innen treffen sich, um über die Zukunft zu sprechen und darüber, wie sie noch verlaufen könnte. Die Veranstaltungsreihe wird eröffnet mit einem Gespräch von Hito Steyerl, einer der international einflussreichsten zeitgenössischen Künstlerinnen, und ihren Kollaboratoren, den Künstliche Intelligenz (KI)-Experten Mike Tyka und Jules LaPlace.
Eine klassische Podiumsdiskussion wird man an diesem Abend nicht erleben. So hybrid die Themen, so innovativ das geplante Format. Der Gesprächsablauf wird choreographiert und in einzelne Abschnitte geteilt. Zuerst wird ein Blick auf die Vergangenheit der Disziplinen geworfen und deren zunehmende Hybridisierung diskutiert. Anschließend wird – anhand von Szenarien aus Kunst und Wissenschaft unterschiedlicher Epochen – eine Spekulation über die zukünftige Gestaltung der wissenschaftlichen Disziplinen entwickelt.
In ihren Arbeiten setzt sich Hito Steyerl mit aktuellen Fragen der Theorie und Praxis gesellschaftspolitischer Prozesse auseinander. Dabei eröffnet sie neue Perspektiven, zeigt Verbindungen auf und hinterfragt kritisch die gegenwärtigen Entwicklungen von Digitalisierung und Globalisierung. Mike Tyka und Jules Laplace sind Entwickler, die sich – u.a. bei Google – mit KI und Maschinellem Lernen befassen.
Als Einstieg ins Thema des Abends wird bereits um 19 Uhr die Möglichkeit gegeben, an einer Führung durch die Ausstellung des Futuriums teilzunehmen, bei der ein Schwerpunkt auf hybride Visionen von Zukunftsgestaltung gelegt wird. (Hinweis: es sind begrenzte Kapazitäten für die Führung. Anmeldung über futurium.de/de/fuehrungen).
Die Hybrid Plattform ist eine gemeinsame Projektplattform der Universität der Künste Berlin und der Technischen Universität Berlin im Rahmen des Campus Charlottenburg. Sie dient dem disziplinenübergreifenden Austausch zwischen Künsten, Wissenschaft und Technik.
Das Futurium ist ein Haus der Zukünfte. Hier dreht sich alles um die Frage: Wie wollen wir leben? In der Ausstellung können Besucher*innen viele mögliche Zukünfte entdecken, im Forum gemeinsam diskutieren und im Futurium Lab eigene Ideen ausprobieren. Press release: Hybrid Futures on 12 December 2019
“Hybrid Futures. Speculations by Hito Steyerl, Mike Tyka and Jules LaPlace”
The Arts and Sciences – past, present and future.
12 December 2019, 8 pm, Futurium, Alexanderufer 2, 10117 Berlin.
English with german translation.
In the future an exciting new kind of event will be part of Berlin’s cultural landscape.
The Hybrid Plattform and Futurium invite you to a pioneering new series of events: “Hybrid Futures”. Selected artists and scientists will get together to talk about the future and how it might play out. The event series will be begin with a conversation between Hito Steyerl, one of the most influential contemporary artists worldwide, and her collaborators, the artificial intelligence (AI) experts Mike Tyka and Jules LaPlace.
What the audience won’t be getting on this evening is a conventional panel discussion. The hybridity of the themes will be matched by the innovativeness of the format. The conversation will be choreographed and divided into individual sections. It will begin with a look back at the history of the respective disciplines, and their increasing hybridization will be discussed. Then speculations about how scientific disciplines might look in the future will be developed – based on scenarios from the arts and sciences of various past epochs.
In her works Hito Steyerl examines contemporary issues related to the theory and practice of societal and political processes. In doing so she opens up new perspectives, reveals connections and critically questions the current trends of digitalization and globalization. Mike Tyka and Jules LaPlace are developers working on artificial intelligence and machine learning for Google and other companies.
To provide an initial look at the evening’s thematic focus, at 7 pm a tour of the Futurium’s exhibition will be offered with special emphasis on hybrid visions of how the future can be shaped. (Note: the capacities at the tour are limited. To register visit: futurium.de/de/fuehrungen).
Hybrid Plattform is a collaborative project platform of the Universität der Künste Berlin and the Technische Universität Berlin on the Charlottenburg Campus. It serves to promote interdisciplinary exchange between the arts, sciences and technology.
The Futurium is a house dedicated to the future. Here everything revolves around one question: How do we want to live? In the exhibition visitors can explore many different potential futures, debate with one another in the Forum and try out ideas in the Futurium Lab.
Eine virtuelle Schnittstelle des Performativen Tanzes mit dem Virtuellen Raum und Publikum
Es ist ein Universitäts- und Hochschulübergreifendes Projekt. Das gamelab.berlin (von der Humboldt Universität Berlin, das Virtual Design Lab der Hochschule Kaiserslautern und der Fulbright Stipendiatin der Stanford University Carly Lave realisierten das Tanzprojekt,
http://pt.wikipedia.org/wiki/Ficheiro:Golem.JPG
Es geht um Tanz im Virtuellen Raum.
Der Titel Golem zitiert, ein aus der jüdischen Literatur und Mystik stammendes Wesen, das ab dem frühen Mittelalter in Mitteleuropa als, aus Lehm gebildet, verstummt, den Menschen nachgebildet wurde. Ein GOLEM ist eine „formlose Masse, ein ungeschlachter Mensch“ (hebräisch). Aber auch Embryo. Mit schwingt die Bedeutungsebene der Dummheit und der Hilflosigkeit. Was auch sonst, denn dieses menschenähnliche Wesen ist vom Menschen geformt. Ein GOLEM kann zu einer erheblichen Größe heran wachsen und über viel Kraft verfügen.
https://www.plotmag.com/blog/2019/11/golem-berlin/
Ob dieser Hintergrund bei der Performance bedacht wurde, kann nicht gesagt werden. In erster Linie erscheint das Projekt als technologisches Ausreizen der MoCAP Technology, verbunden mit einer Spiel-Engine, die live Daten in das System einspeist. Es geht um die Verbindung der Wirklichkeit und der Virtuellen Realität und um gemeinsamen Tanz. Es geht um Immersion. Nicht nur die innere Einbindung der Tänzer zu dem virtuellen Performer, sondern auch des Publikums, das bei der live Performance, versehen mit VR Brillen Objekte verschieben und manipulieren darf. Ebenso wird eine Schnittstelle zu einer ausschließliche digitalen Inszenierung geschaffen. Dort können mit VR Brillen versehene Zuschauer ebenso im VR Raum die Performance verfolgen, obwohl sie nicht im Aufführungsraum sind, den Uferstudios. Die Performance wurde vom 25.07.2019–27.07.2019 erstaufgeführt.
Es wird mit dem Optitrax Motion Capture System, die Tanzbewegung der Performerin abgenommen, in einen live gerenderten Raum übertragen (Unity Game Engine). Die Tänzerin soll mit ihrem virtuellen Konterfei tanzen, gerne auch interagieren, wie es so schön in der Branche heißt. Aber es geht tatsächlich um den gemeinsamen Tanz mit dem Wirklichkeits-Ich-Tänzer. Bei Motion Capturing stand nur 1 Anzug zu Verfügung, deshalb gibt es auch entsprechend einen individuellen Virtuellen Tanz-Repräsentanten, der vervielfältigt wird.
Die Virtuelle Figur wird durch eine eigentümlich exakte Körperlichkeit, mit entsprechend realistisch anmutender, aber dennoch artifizieller Oberfläche realisiert. Die Übertragung der Gesten und Gebärdensprache ist so genau, wie es die Technik zulässt. Das führt zu Abweichungen der Anatomie. Manchmal sind Beine verwinkelt und vermitteln den Eindruck eines Bruchs. Die personifizierte Beschaffenheit des GOLEMS findet einen inhaltlichen Bezug. Es ist ein grobes Wesen, körperlich überhöht, aber dumm, ungebildet. Nichtsdestotrotz kann es eine erhebliche Kraft entwickeln.
Dennoch darf die formale Beschreibung hinterfragt werden. Wird eine gewinnbringende künstlerische Intervention für das menschliche Abbild im VR Raum dargestellt? Oder darf mit Bedauern eine ausschließlich inhaltliche Schnittmenge fest gestellt werden.
Der Raum wird erweitert, der Mensch findet eine artifizielle Verortung, der Avatar findet Bewegungen und eine aus künstlerischer Sicht kritisch zu betrachtende formale Beschreibung. Die Tänzer in der Wirklichkeit, in den Uferstudios Berlin, werden bei der Live Performance durch die Zuschauer, platziert am Rand der Tanzfläche, in beiden Realitäten betrachtet. Eine vor Kopf angebrachte Leinwand projiziert den virtuellen Raum.
Im virtuellen Raum wird die Welt des GOLEM durch ein experimentelles Soundsystem namens GHUNGHRU begleitet. Es geht nicht darum, Musik zu erschaffen, es geht darum, Geräusche und Geräuschkulissen hörbar zu machen. Diesen Hörbildern liegt die Idee der Hinduistischen klassischen RAGA Tonmodulation zu Grunde. Sie werden durch Stimme und modularen Synthesizern der Performance zugespielt.
Die Virtuelle Umgebung der GOLEM VR Welt wurde durch die Studierenden des Fachbereichs Virtual Design an der Hochschule Kaiserslautern realisiert. Es sind blaue und geometrische Welten, sie sind in einer hierarchischen, aber in sich verschwimmenden Staffelung zu einem perspektivischen Raum geformt. Dieser Raum bleibt hell, Kontraste fehlen, alles verschmilzt in blauen Schattierungen und Geometrien. Die Formen sind einfach, fast schon einfältig. Sie zitieren eine weitere Ebene des GOLEM, so wird gehofft.
Diese Art der Tanzperformance ist nicht die erste in der Reihe von Verschmelzung von Virtueller Raum mit der Wirklichkeit, live Tanz mit direkter Übertragung in die Virtualität, oder der Möglichkeit als Zuschauer eine Veränderung des Exterieurs des projizierten Raums durchzuführen. Aber es ist ein Beispiel, dass die Tanzszene mehr und mehr den Zugang zur Technologie forciert. Dass der architektonische Raum nicht mehr nur als alleiniger Gestaltungsraum erkannt werden kann. Wahrscheinlich werden in wenigen Jahren diese Technologien in den Opernhäusern und anderen Bühnenorten eingeführt werden. Noch ist es Avant Garde.
Idee, Gestalt und Konzept
Choreografie: Carly Lave, Berlin (DE) > www.carlylave.com
Dramaturgie: Florence Freitag
Brand Design: Will Hamilton
Sound Design: Arushi Jain
Mitwirkende
gamelab.berlin, Humbold Universität, Berlin (DE) > www.gamelab.berlin/de
Virtual Design Department, Hochschule Kaiserslautern,
Kaiserslautern (DE) > www.hs-kl/virtual-design
TänzerInnen/PerformantInnen
Melissa Ferrari, Cheng-Jung Tsai, Janan Laubscher, John Snyder
Bühne
UFERSTUDIOS, Berlin (DE) am 25.07.2019–27.07.2019
Fotografien:
gamelab.berlin, Humbold Universität, Berlin (DE) > www.gamelab.berlin/de
Virtual Design Department, Hochschule Kaiserslautern,
Kaiserslautern (DE) > www.hs-kl/virtual-design
Beitrag von Professor Ursula Drees
Wer sie machte, woher sie kommen, warum sie aufgereiht an der Wand stehen, ist unklar. Vielleicht eine Arbeit der Studierenden am ZKM. Wahrscheinlich.
Kurzes Innehalten, Material prüfen, Schafqualität vergleichen und an Greta denken. Die Plastikflut erstickt den Menschen. Je öfter darauf verwiesen wird, desto sinnvoller. Prof. Ursula Drees
Diese Installation steht im ZKM in der Ausstellung „3Rooms“.
Ein dunkler Raum in dessen Mitte der Aufbau steht. Ein Plexiglaskubus, eine Seifenblasenmaschine, ein CO2 Messgerät, ein Labortisch und Industriestaubsauger, diverse Plastikschläuche, irgendwo im Plexiglaskubus auf dem Boden liegt Trockeneins und Seifenlauge. Auf der Tafel wird der Besucher über das Arduino Board, Relais, Verkabelung und Stromversorgung aufgeklärt. Das ist soweit alles Sichtbare.
Und natürlich der Aufsichthabende, mit weißen Handschuhen, der beim Eintritt das Experiment startet. Der Kohlenstoffdioxidanteil, die Temperatur und noch das ein oder andere wird kontrolliert. Wenn die Atmosphäre stimmt, geht es los. Der Staubsauger wird nach der Prüfung bedient, und eine Seifenblase entsteht im Inneren des Plexglaskubus. Sie wächst zu einer Ordentlichen heran, der Aufsichtshabende zeigt sich mit dem Ergebnis zufrieden und das Kunstwerk ist vollendet. Die Seifenblase steht im Trockeneisglasraum, bewegungslos, inmitten des Kubus in ihrer ganze Schönheit. Prismafarben spiegeln die Oberfläche, vollkommener Stillstand.
Einegefrorene Seifenblase. Sie ist für einen erstaunlich langen Zeitraum ein Objekt, schwebend scheinbar inmitten eines leeren Raums. Je länger geschaut wird und das Experiment nach einer Erkenntnis ruft, desto klarer werden Metaphern und Assoziationen im Kopf formuliert.
Seifenblasen zerplatzen, eine Sprichwort für verlorene Träume. Ebenso aus der Kunstgeschichte ein in der Zeit der Stilllebens des „Momento mori“ oft genommenes Symbol für die Vergänglichkeit des Seins. Bekannt sind Totenschädel, abbrennende Kerzen, verwelkende Blumen, zerbrochene Spiegel, aufgeschnittene Südfrüchte und auch Seifenblasen.
Mit dieser Arbeit stellt sich sie in die Tradition der KünstlerInnen wie Douglas Gordon, Urs Fischer, Nam June Paik, Manuela Kasemir oder etwa Jeroen de Rijke / Willem de Rooij. Es ist eine akademische Arbeit durch und durch.
Wenn eine Seifenblase platzt, bleiben nur einige Spuren der Seifenlauge übrig. In „The Long Now“ wird Lebensdauer verlängert. Manchmal um Minuten, es kann aber wohl auch länger sein, Stunden oder ein ganzer Tag. Aber irgendwann platzt sie; ihr Lebens Zyklus endet. Sie stirbt.
Die Künstlerin verbindet Wissenschaft und Kunst. Sie trägt den Titel der Diplom Designerin der Hochschule für Gestaltung in Offenbach (bei Professor Heiner Blum und Professorin Ulrike Gabriel), dann noch an der Akademie der Bildenden Künste in Wien. An der Kunsthochschule in Köln kommt noch ein Diplom dazu. Hinzu ein Forschungsaufenthalt am „SymbioticA – Centre of Excellence in Biological Arts“ in Australien und an das „Laboratory of Stem Cell Bioengineering“ in Lausanne.
Sie arbeitete im Max Planck Institut für Biologie in Köln, ihr Thema „Das Altern“, kooperiert mit der Kölner Kunsthochschule und das Werk nimmt Form an. Es wird auf der Ars Electronica mit einer Honorary Mention (2016) geehrt.
Beitrag von Dr. Margarete von Trifft